Праздники в Северной столице: гид по лучшим выставкам Санкт-Петербурга
Василий Суриков
Где: Русский музей. Корпус Бенуа
Когда: до 13 мая 2024
Опус магнум сезона Русского музея — грандиозная выставка Василия Сурикова. Дизайнер выставки Василиса Резникова выбрала интересное решение, покрасив залы в яркие контрастные цвета: серый, красный, синий, зеленый и горчичный. Благодаря этому хрестоматийные работы Василия Сурикова, знакомые по страницам школьных учебников, вырваны из контекста. Знаменитые исторические картины «Покорение Сибири Ермаком», «Взятие снежного городка», «Переход Суворова через Альпы», «Степан Разин» и «Боярыня Морозова» выглядят на цветовой подложке иначе. Хотя в перспективе небольших залов корпуса Бенуа наложение одного активного оттенка на другой, иногда буквально затмевает живопись. Дизайн как бы «заставляет» воспринимать экспозицию как некий цельный монолит суриковского творчества.
Большая концентрация работ, включая наброски и этюды, выявляет такую деталь: в живописи художника много героев-бунтарей: Разин, Ермак, Меньшиков. Несломленные женщины— княгиня Ольга, боярыня Морозова, царевна Софья. А если вглядеться в персонажей «многонаселенных» картин, то покорных и безразличных лиц практически не найти.
«Суриков поведал страшные были прошлого, показав героев минувшего, представил человечеству в своих образах героическую душу своего народа. Как прекрасны эти образы! Как близки они нашему сердцу своей многогранностью, своими страстными порывами», — писал Владимир Кеменов, автор диссертации «Историческая живопись В .И. Сурикова 70-80-х годов».
Школа Филонова
Где: Русский музей, Мраморный дворец
Когда: до 29 января 2024
В 1920-е годы в Петрограде-Ленинграде существовало сразу три художественных объединения, которыми руководили авангардисты. За Казимиром Малевичем, переехавшим в это время в Петроград, последовали его ученики из УНОВИСа (Утвердители Нового Искусства). Так Михаил Матюшин организовал Отдел Органической культуры при ГИНХУКе (Ленинградском государственном институте художественной культуры), а Павел Филонов — школу «Мастера аналитического искусства» (МАИ). По разным оценкам, через нее с 1925 по 1941 год прошло от 70 до 100 учеников, но официально группа существовала до весны 1932 года.
На выставке во Мраморном дворце представлено около 120 произведений живописи и графики из Русского музея, Государственного Музея истории Санкт-Петербурга, Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства, «Галеев Галереи» (Москва). Некоторые вещи выставляются впервые.
По воспоминаниям младшей сестры Филонова Евдокии Глебовой, мастер требовал от студентов строжайшей самодисциплины. В мастерской ученики работали по 12 часов без обеда, а Филонов вслух читал им свою работу «Идеология аналитического искусства и принцип сделанности». Главная установка мастера была на тщательную «сделанность» формы, «единицей действия» считалась точка, от учеников требовалась проработка каждой точки в каждой линии и постепенный переход от мельчайших к крупным пластическим образованиям, что задало типические стилистические черты творчества учеников МАИ.
«Севрский фарфор и имитации. От преклонения до обмана»
Где: Государственный Эрмитаж, Синяя спальня Зимнего дворца
Когда: до 22 сентября 2024
Небольшая, изысканная выставка по сути своей — квест. В витринах собраны и подлинные изделия Севрской мануфактуры в период ее расцвета (в XVIII — первой половине XIX веков), и предметы, изготовленные мастерами Севра в начале ХХ века, и реплики, произведенные Императорским фарфоровым заводом и мануфактурой князя Юсупова в Архангельском. Понять, где настоящее искусство, а где фальшивки, с первого взгляда практически невозможно. Пояснения на этикетках напоминают детектив: изготовители подделок тщательно запутывали следы, старались продавать свои фальшивки через третьи руки, при чем так успешно, что некоторые вещи оказались в императорских коллекциях. Фирменная продукция Севра — статуэтки и бюсты из бисквитного фарфора. Тут «на глаз» различить настоящие и поддельные вещи практически невозможно. Но можно попробовать — в одной из витрин есть и подлинный бюст Екатерины II севрской работы, и поддельный.
Покровительницей Севрской мануфактуры была маркиза де Помпадур, по легенде, любившая напоминать придворным, «кто не любит мой фарфор, тот не любит Францию». В ее честь розовый оттенок, полученный на мануфактуре, был назван Rose Pompadour. На выставке есть редкие вещи — небольшой поднос, блюдо и маленькие вазы-жардиньеры, декорированные амуром с гравюры Франсуа Буше, любимого художника маркизы. Обычно так называемые «севрские амуры» украшали более крупные предметы. Хотя большинство таких предметов — подделки. После Помпадур мануфактуре покровительствовала другая фаворитка короля — мадам Дюбарри. На выставке можно увидеть тарелки из принадлежавшего ей сервиза. Здесь же предметы из сервиза с камеями, созданного на Севрской фарфоровой мануфактуре в 1778-м-1779-м годах по заказу императрицы Екатерины II для Григория Александровича Потемкина.
«Думай о времени. Ян ван ден Хеке. Роскошный натюрморт»
Где: Эрмитаж. Главный штаб
Когда: до 31 марта 2024
Выставка-инсталляция «овеществляет» картину Ян ван ден Хекке, представляя зрителю предметный мир эпохи барокко, и заодно изящно намекает на бездонные богатства коллекций российских музеев. Ведь такого рода натюрморты на нидерландском языке называют pronkstilleven ( «хвастаться») — композиции создаются из вещей, которые владелец хотел бы выставить «напоказ», чтобы подчеркнуть свой статус и богатство.
Художники-дизайнеры Юрий Сучков и Эмиль Капелюш воссоздали предметный мир только что отреставрированной картины, жемчужины фламандской живописи второй половины XVII столетия, «Роскошного натюрморта» Яна ван ден Хекке (1620–1684). Композицию составили предметы коллекции прикладного искусства Эрмитажа: серебро, немецкий ложчатый кубок, небольшая тацца (плоская чаша на ножке), кувшин, китайский фарфор, стеклянные бокалы самых разных форм.
«Свет и воздух. Традиции импрессионизма в советской живописи»
Где: Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков
Когда: до 10 марта 2024
Выставка, в которой приняли участие 27 музеев из разных городов России и одно частное собрание, предлагает зрителю найти традиции и приемы импрессионизма там, где по определению их быть не должно. Например, в жанровых работах, выполненных по канонам социалистического реализма. Хронология выставки охватывает период с 1920-х до середины 1980 годов, в фокусе кураторов оказывается феномен сохранения эстетики импрессионизма в советском искусстве на протяжении столетия после того, как на парижском «Салоне отверженных» возникло это течение. Среди представленных художников есть известные: Юрий Пименов, Петр Вильямс, Игорь Грабарь, Борис Иогансон, Владимир Лебедев, Роберт Фальк, Исаак Бродский, Евсей Моисеенко. Есть и забытые, но значительные имена, такие как Александр Исупов.
Надо отдать должное куратору выставки Ольге Толстой, которая помимо таких жанров, как портрет и пейзаж, где легко обнаружить и свет и воздух, включила в экспозицию картины, посвященные труду и досугу советского человека, собрав интересный круг имен, от Василия Рождественского, одного из основоположника объединения «Бубновый валет», до советского классика Юрия Пименова, который, как известно, успел побыть формалистом и вообще на верность соцреализму присягал не совсем искренне, в чем можно убедиться присмотревшись к его работе «Утро профессии» (1953).
Выставка располагается на все трех этажах музея, и возможно, что лучший способ ее осмотреть — начать с третьего этажа с жанровой живописью, а потом через спокойный пейзажный раздел спуститься на первый этаж к портретам. В портретах, преимущественно женских, эстетика импрессионизма заметнее. «Женщина в гамаке» Юрия Пименова 1934 года, чья поза чем-то напоминает позу легендарной «Олимпии» Эдуарда Мане, балансирует на той грани, которую в музее назвали реалистическим импрессионизмом. В этих работах и свет, и воздух, и любование простыми моментами жизни представлены в избытке.
Художники‑универсанты. К 300‑летию СПбГУ
Где: Музей современных искусств им. Дягилева СПбГУ
Когда: до 2 февраля 2024
Николай Рерих, Иван Билибин, Юрий Анненковов, Александр Бенуа, Мстислав Добужинский, Георгий Верейский, Евгений Рухин, Владимир Шинкарев, — всех этих художников объединяет одно обстоятельство биографии. Они учились в Санкт-Петербургском университете ( в советское время — ЛГУ им. А.А. Жданова). Всего при подготовке проекта юбилейной выставки «Художники-универсанты. К 300-летию СПбГУ» Музеем современных искусств им. С.П. Дягилева СПбГУ было найдено почти полторы сотни имен художников, имевших отношение к университету. Сергей Дягилев, чьим именем назван музей, тоже, разумеется, учился здесь, на юридическом факультете.
Небольшой музей, организовавший выставку на базе своего собрания, не имеет возможности показать знаменитые работы художников-универсантов. Бенуа и Добужинский, к примеру, представлены книжной графикой. Зато на экспозиции есть уникальные вещи из художественной жизни Ленинграда 1960-х, 1970-х и 1980 годов. Например, самодельные буклеты Евгения Рухина, одного из лидеров ленинградского художественного андерграунда, соорганизатора бульдозерной выставки в Москве в 1974 году.
Выпускники исторического факультета представлены работами Вадима Войнова, еще одной легенды ленинградской арт-сцены, создавшего свой собственный художественный метод, так называемые «функциоколлажи», гипертексты из различных предметов. Работы действующих преподавателей университета, философа Валерия Савчука и искусствоведов Ивана Чечота и Глеба Ершова, иллюстрируют художественные искания и достижения универсантов разных поколений.