Без компромиссов и вне канонов красоты: как современные художницы изображают женщин
Дженни Савиль: изображает реальные женские тела
Дженни Савиль родилась в Кембридже в 1970 году, в 1992-м окончила Школу искусств Глазго. Во время учебы она провела семестр в Университете Цинциннати (США), где изучала французскую феминистскую теорию, исследующую, как язык, культура и философия формируют представление о женщине и ее теле.
Савиль принадлежит к «Молодым британским художникам» (Young British Artists) — неформальной группе современных творцов, которые стали известны после выставки Freeze 1988 года. «[Мы] очень разные художники. Может быть, единственное, что нас связывает, — это то, что мы пытались привнести в искусство реальность, а не делали просто искусство об искусстве», — говорил один из художников Марк Куинн. Сама Савиль о начале своей карьеры вспоминала: «Я никогда не сомневалась в своих амбициях. Я никогда не думала: «я девушка, я не могу этого сделать». Только когда я поступила в художественную школу, я поняла, что великие художники прошлого не были женщинами. В библиотеке у меня произошло своего рода озарение: где все женщины? Только тогда, когда правда открылась, я начала злиться».
В своих картинах Дженни Савиль спорит с традиционным изображением женщин, которых многие столетия объективизировали художники-мужчины. Вместо привычных подтянутых тел с гладкой кожей она изображает их с волосами на гениталиях, жировыми складками, тяжелыми грудями, крупными бедрами и беременными животами. В 2012 году художница рассказала изданию The Guardian, что одно из первых впечатлений, связанных с очертаниями и формами неконвенциональной женской фигуры, связано с ее учительницей фортепиано. Она изображает тела людей разных рас, возраста, комплекции, людей с инвалидностью, пациенток пластических хирургов. Обращается и к автопортрету: «Мне не нравится быть просто смотрящей или просто той, на кого смотрят. Я хочу играть обе роли».
Кроме исследования женской телесности, Савиль обращает внимание на насилие, что переживают женщины. В 2025 году в Национальной портретной галерее в Лондоне прошла ее выставка, где было представлено несколько работ, изображающих девушек после побоев. «Масштаб в искусстве может не только впечатлять, казаться важным или странным. Он может изменить отношения между искусством и зрителем, даже волшебным образом поменять местами субъект и объект. Когда Савиль пишет полных обнаженных людей, они [выглядят] словно живые. А когда она пишет боль [жертв насилия], эффект ужасающий, потому что она переносит вас за кулисы жизни пострадавших», — писал об этих работах арт-критик Джонатан Джонс.
В 2018 году Дженни Савиль стала самой на тот момент дорогой из действующих художниц: ее автопортрет Propped (1992, на фото) был продан за $12,4 млн (позже этот рекорд был побит художницей Марлен Дюма, чья работа ушла на аукционе за $13,6 млн). На полотне художница изображает себя сидящей на черном столбе фаллической формы. Поверх изображения дана цитата феминистской писательницы и философа Люс Иригарей: «Если мы [женщины] продолжим говорить так же единообразно — так, как говорили мужчины на протяжении веков, — мы подведем друг друга». Цитата — призыв отрефлексировать стереотипы и перестать воспроизводить одни и те же нарративы.
В 2019 году Дженни Савиль снимала художественную студию в Москве и работала там на протяжении нескольких месяцев. В интервью Financial Times она признавалась, что «питает романтические чувства к русской культуре», особенно — к творчеству Анны Ахматовой.
Кэролайн Уокер: обращает внимание на невидимый женский труд
Кэролайн Уокер родилась в 1982 году в Шотландии, училась живописи в Школе искусств Глазго, а затем — в Королевском колледже искусств. Художница пишет серии картин о домохозяйках и работницах сферы обслуживания. «С раннего возраста я увлекалась живописью и проводила бесчисленные часы в своей первой студии (большом кухонном шкафу), рисуя бесконечные картины [на которых изображала женщин]», — рассказывала она в 2019 году.
Героини Кэролайн Уокер — женщины, занятые повседневными делами: они убирают, стирают, готовят, делают с детьми уроки, ухаживают за пожилыми близкими, работают в салонах красоты, отелях и прачечных. Их труд зачастую невидим и неоплачиваем, поэтому Уокер стремится обратить на него внимание своей аудитории. Композиция работ часто выстроена так, будто бы зритель подглядывает за происходящим через окно, дверной проем или из-за угла.
Как отмечает журнал Dissent, «Уокер стремится увековечить невидимый труд [женщин]. Однако, в отличие от Диего Риверы и художников эпохи «Нового курса» [которые изображали труд как нечто героическое], она не пишет триумфальных образов рабочего класса. Напротив, отношение художницы к изображаемым женщинам остается более сложным и неочевидным». По словам искусствоведа Элизы Гудпастур, Кэролайн Уокер пристально наблюдает за своими героинями и сопереживает им.
Особое внимание художница уделяет материнству. В серии Mothering она показывает, что заботой о детях занимаются не только матери, но и бабушки, тети, учительницы, воспитательницы детских садов и даже медицинские работницы. На каждой из них лежит ответственность за воспитание нового человека. «Работы Уокер радикальны в своем бескомпромиссном исследовании и воспевании реалий материнства, которые редко находят место на стенах галерей. Ее картины замечательны — их должен увидеть каждый», — заметила в 2025 году Элиза Гудпастур.
Сара Лукас: иронизирует над объективацией женщин
Сара Лукас родилась в Лондоне в 1962 году, бросила школу в 16 лет и на протяжении пяти лет изучала изобразительное искусство в разных учебных заведениях: в Образовательном колледже для трудящихся, Лондонском колледже коммуникаций и Голдсмитс-колледже. В 1988 году вместе с остальными участниками группы «Молодых британских художников» участвовала в выставке Freeze.
Лукас работает с разными медиумами — фотографией, коллажем, скульптурой и инсталляцией. Ее смелые и провокационные работы исследуют темы сексуальности, гендера и смерти, часто в юмористическом ключе. Художница стала известной после публикации своего фотопортрета, на котором она сидит в кресле с чрезвычайно серьезным выражением лица, а на ее груди лежат две яичницы-глазуньи: с одной стороны, они считываются как намек с сексуальным подтекстом, очертаниями напоминая обнаженную грудь, с другой, превращают всю работу в абсурдистскую шутку.
Сегодня Лукас чаще обращается к созданию скульптур — антропоморфных женоподобных кукол из набитых ватой колготок. Она высмеивает объективацию женщин, используя гипертрофированно феминные образы — высокие каблуки, чулки, большую грудь. Так, в 2011 году Лукас представила инсталляцию с говорящим названием Nice Еits, которая представляет собой подвесную конструкцию, напоминающую виноградную гроздь, каждая деталь которой выполнена в форме женской груди (инсталляцию дополняет пара ботфортов). В 2015-м на Венецианской биеннале художница показала гипсовую серию I Scream Daddio — скульптуры в виде женских ног, застывших в сексуально призывных позах.
Как пишет онлайн-журнал о современном искусстве ArtCritic, отличительная особенность Сары Лукас — умение балансировать между феминистской критикой и восхищением вульгарностью. «Юмор — это способ разбираться с противоречиями, которые задают нам социальные нормы. В каком-то смысле юмор и серьезность взаимозаменяемы: иначе [шутка] не была бы ни смешной, ни разрушительной», — говорила сама художница.
«[Сегодня] искусство Лукас ощущается как важная историческая точка опоры, от которой можно оттолкнуться и двинуться дальше за пределы дерзкой и ироничной платформы «Молодых британских художников», в новое тысячелетие», — писала в 2018 году арт-критик The New York Times Марта Швендер. Работы Сары Лукас хранятся в Центре Помпиду в Париже, галерее Тейт в Лондоне и Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Дженезис Беланджер: высмеивает культуру потребления и гендерные стереотипы
Художница Дженезис Беланджер родилась в 1978 году и выросла на северо-востоке США. Она училась в частной школе искусств и дизайна в Нью-Йорке, окончила Чикагский институт искусств по специальности «дизайн одежды», а после проходила стажировку в Moschino в Милане.
Беланджер работает с текстилем, металлом и деревом, но больше всего известна благодаря скульптурам из глины и фарфора. В начале карьеры художница работала ассистенткой стилиста по реквизиту на съемках кампейнов модных брендов. В интервью искусствоведу Франческе Бальбони она рассказала, что, увидев процесс создания рекламы, избавилась от нереалистичных ожиданий, которые навязывает культура потребления. Однако вместе с тем ее напугало, насколько искусно маркетинг использует красоту в качестве инструмента воздействия. Теперь Беланджер не создает рекламу, а высмеивает ее, показывая, как общество формирует стереотипы о женщинах и женственности.
Феминистский взгляд Беланджер сочетается в ее работах с эстетикой поп-арта и абсурдом. Из привычных предметов обихода она создает фигуры, напоминающие женские формы: лампы с жемчужными украшениями, помады с высунутыми языками вместо стика, банки сардин с накрашенными глазами. Так художница высмеивает стереотипное представление о женственности — глянцевой, сексуализированной, искусственно идеализированной и коммерциализированной.
В 2018 году на выставке A Strange Relative Беланджер показала скульптуры из предметов, которые символизируют устаревшие представления о женской «истеричности»: таблетки, сигареты, пепельницы с использованной жвачкой, кассовые аппараты с длинными чеками. «Эти зарисовки одновременно юмористические и тревожные: они обращаются к духу нашей культуры и рассказывают истории о потребительстве, зависимости и гендерных отношениях», — отмечало тогда арт-издание The Design Edit.
Сегодня выставки работ Дженезис Беланджер проводятся по всему миру — от Франции и Испании до Японии и Южной Кореи. До 10 мая 2026 года ее работы можно увидеть на групповой экспозиции в Сеуле.
Микалейн Томас: говорит о репрезентации темнокожих женщин
Афроамериканка Микалейн Томас родилась в Нью-Джерси в 1971 году, а в 2002-м окончила Школу искусств Йельского университета (признан в России нежелательной организацией). В начале карьеры она погрузилась в культуру DIY-художников и музыкантов (и те и другие использовали для своих работ случайно найденные исходники и своими руками создавали для себя необходимый инструментарий), что повлияло на формирование ее художественного языка. Сегодня Томас сочетает в своих работах графику и коллаж, использует фотографии, стразы, эмаль, акрил.
Микалейн Томас исследует, как в западном искусстве изображают темнокожих женщин. Она показывает, какие стереотипы влияют на их восприятие, обращаясь к темам женственности, красоты, сексуальности, расы и гендера. Например, в серии Jet художница переосмысляет визуальный язык одноименного журнала — издания, ориентированного на афроамериканскую аудиторию, которое при этом поддерживало культ светлой кожи и прямых волос, а также худобы. Деконструируя этот канон, Томас создает более сложные, многослойные и критические образы женской идентичности.
«Томас размышляет о том, как изображались — или не изображались — чернокожие женщины. Затерянные на полях исторических полотен, обнаженные и доступные как «экзотические» объекты желания, — замечает арт-критик Хетти Джуда в колонке для The Guardian. — [Изначально] стразы создавались, чтобы блестеть в электрическом свете и привлекать внимание на сцене, подчеркивая движения тел [женщин, которых окружающие воспринимали как источник] удовольствия и развлечения. Применяя их к неподвижной поверхности, Томас заставляет зрителя совершать работу самому: женщины на ее картинах никуда не движутся, мы должны двигаться, чтобы они заискрились».
В 2025 году Микалейн Томас была включена в список 100 самых влиятельных людей по версии журнала Time. Сегодня работы Томас хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке и Музее современного искусства Хара в Токио.